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Publicado en Espectáculos, hace 3 años
Nueva York.- Un año fundamental en la música latina, así califica la academia de los Grammy el año 1972.
Y no es para menos ese año, la música latina, en general, expresaba el deseo de convertirse en algo más significativo y trascendente. Como siempre, los países latinoamericanos cayeron bajo el hechizo de todo lo musical que estaba sucediendo en Inglaterra y los EE. UU. en ese momento: la ambición reveladora del rock progresivo, la fiebre curativa del funk, el sincero virtuosismo instrumental del jazz fusión.
Como se reseña en un artículo públicado en el portal de los Grammy, tal vez reflejando una cultura donde la individualidad era tan apreciada, muchos músicos latinos absorbieron los sonidos extranjeros y corrieron con ellos en direcciones sorprendentes e inesperadas.
Cincuenta años después, aquí hay 11 álbumes latinos esenciales para atesorar, destacados por miembros de los Grammy:
Un cantautor visionario, Milton Nascimento surgió del estado brasileño de Minas Gerais armado con una comprensión instintiva de los modismos afro y una gran reverencia a los Beatles.
Clube da Esquina marcó un antes y un después para la cultura brasileña. Conceptualizado por un colectivo artístico que también incluía al compositor Lô Borges y un prodigioso equipo de músicos y letristas, el doble LP vira sin esfuerzo desde la dulce psicodelia de “Um Girassol Da Cor Do Seu Cabelo” a la nostalgia country-pop de “Paisagem da Janela” y el fervor himnario de “San Vicente”. El club volvió a reunirse para una segunda entrega (e igualmente inspirada) en 1978.
Hasta el final de su vida, la diva cubana Celia Cruz nunca entendió por qué la serie de sesiones que grabó con el líder de la banda nuyorican Tito Puente entre finales de los 60 y principios de los 70 recibió poca o ninguna promoción. El dúo intentó actualizar su sonido para competir por la atención de los oyentes jóvenes obsesionados con el rock, pero fue en vano.
Su última colaboración durante ese tiempo específico, Algo Especial Para Recordar cuenta con un sonido impactante y lleno de adrenalina, ya que Puente selecciona pepitas confiables del catálogo de Celia (“Tatalibabá”, “Cao Cao Maní Picao”) y demuestra qué fantástico arreglista era. Incluso el bolero “Extraño Amor” es electrizante. No en vano, este clásico de hoja perenne todavía es apreciado por los coleccionistas.
América del Sur se enamoró perdidamente de los Beatles y los Stones, el folk-rock y el blues, y toda una generación de idealistas de pelo largo decidió agarrar guitarras y grabar sus propios himnos de protesta, en español.
El rock sudamericano se estaba estirando y expandiendo en 1972, y Sui Generis —liderado por el genio residente en Argentina Charly García— fue uno de sus primeros supergrupos (su carrera terminaría abruptamente tres años después con dos shows masivos en el Luna Park de Buenos Aires y un doble álbum en vivo.) Este debut luminoso es un artefacto histórico, y mientras que la ingenuidad de “Necesito” suena un poco peculiar 50 años después, una canción como la joya de apertura “Canción para mi muerte” es melancólica e inquietante.
Una paradoja intrigante define los discos de salsa que el trombonista, productor y compositor nuyorican Willie Colón grabó durante la primera mitad de los años 70 con el cantante boricua Héctor Lavoe. Por un lado, jams tropicales como “Piraña” y “Aguanile” rebosan con el tipo de intensidad alimentada por trombón que los hace ideales para la pista de baile.
Al mismo tiempo, estos clásicos atemporales están imbuidos de un humor oscuro y una cosmovisión que es casi inquietante en su fatalismo. Las canciones son fantásticas y la vocalización densa, conmovedora y trágica de Lavoe es inolvidable. Lavoe murió en 1993, a los 46 años.
Los paisajes sonoros de la bossa nova son hermosos, pero la obsesión del movimiento con su propia tristeza puede resultar un poco agotadora a veces. Con eso en mente, el joven grupo Novos Baianos usó su segundo álbum (que se traduce como “Basta de llorar) como una excusa para celebrar los aspectos más alegres del folk brasileño.
El resultado es una colección emocionante que se adentra en el samba-rock con estilo y guitarras eléctricas, anclada en la hermosa interacción vocal de Moraes Moreira, Paulinho Boca de Cantor y la encantadora Baby Consuelo (cuyo trabajo en solitario posterior a Novos Baianos vale la pena buscar) . La canción de apertura “Brasil Pandeiro” resume todo lo maravilloso de la música brasileña: la bonhomía sin esfuerzo, la síncopa persistente. No es de extrañar que fuera nombrado el mejor álbum de todos los tiempos del país en una encuesta de 2007 realizada por la edición local de la revista Rolling Stone.
Ningún álbum ha logrado capturar la explosión de salsa de Nueva York en toda su gloriosa combustión, pero esto es lo más cerca que se encuentra.
Grabado en vivo en el Cheetah Lounge en Nueva York con una orquesta espectacular en la cima de su juego, cada artista individual, una estrella por derecho propio, Live at the Cheetah es la primera entrega de una epopeya de dos volúmenes. El álbum incluye una versión explosiva de “Anacaona” de Cheo Feliciano con Larry Harlow en el piano y una “Descarga Fania” a fuego lento con el vocalista de Ray Barretto, Adalberto Santiago. Cheo y Adalberto se unen a Héctor Lavoe, Pete ‘El Conde’ Rodríguez, Ismael Miranda y el veterano cantante Santos Colón en “Quítate Tú”, de 16 minutos de duración, intercambiando líneas vocales con un fingido espíritu competitivo.
El movimiento de la balada mexicana estaba en auge a principios de los años 70, cuando estrellas jóvenes como José José y Juan Gabriel convirtieron canciones de amor de tres minutos en sinfonías mini-pop marcadas por orquestaciones sofisticadas.
El segundo álbum de Juan Gabriel fue un éxito artístico y comercial desde sus inicios: un lote de sus ganchos pop boyantes y lujosos arreglos de Eduardo Magallanes y Chucho Ferrer. La línea de metales de apertura y el suave ritmo de batería de “No Puedo Olvidar” preparan el escenario para las delicias sónicas que siguen.
La mayoría de la gente conoce a Roberto Carlos como el Julio Iglesias de Brasil, el artista más vendido del pop brasileño. Solo los fanáticos estudiosos conocen el hecho de que Roberto escribió la mayoría de sus éxitos en sociedad con el cantautor Erasmo Carlos (los artistas no están relacionados).
Aún mejor: mientras batía récords con Roberto, Erasmo también grabó una serie de impresionantes LP en solitario que exploraban el art-rock y la psicodelia, el folk-pop y el jazz-soul. Este escurridizo e introspectivo viaje autobiográfico es la obra maestra de Erasmo, criminalmente subestimado cuando se estrenó, pero reevaluado en las décadas siguientes. “Meu Mar” es probablemente la pista brasileña más soñadora que jamás encontrarás.
Inspirado por Bill Evans y Oscar Peterson, el pianista puertorriqueño Papo Lucca heredó la orquesta de su padre en Ponce y llevó las exquisitas armonías de sus ídolos a una ruda orquesta de salsa. La combinación creó un equilibrio vanguardista, un contraste acre, y La Ponceña se convertiría rápidamente en uno de los conjuntos más aristocráticos de la música tropical.
Esta sesión de 1972 encuentra a la banda en un estado de ánimo particularmente agresivo, anclado en una sección rítmica apretada y las voces imponentes de las estrellas Tito Gómez y Luigi Texidor. El corte de apertura “Prende El Fogón” vale el precio de la entrada.
La brumosa mística del rock chicano de principios de los 70, la fusión de ritmos afrocubanos relajados con acordes de jazz y voces aterciopeladas, ha resistido el paso del tiempo particularmente bien, como lo puede atestiguar el elegante debut de este combo de 12 piezas de San Francisco.
Una versión realista del Santana más celestial, Malo contó con la guitarra del hermano de Carlos, Jorge Santana, así como con las percusiones de Coke Escovedo (tío de Sheila E) y el canto expresivo de Arcelio García, Jr. Sweet y funky, “Suavecito” es un clásico de California.
En 1972, el director italiano Bernardo Bertolucci fue más allá con su nueva película: una narrativa psicosexual radical con Marlon Brando como un hombre suicida de mediana edad. El saxofonista argentino Gato Barbieri, ya conocido por sus ambiciosas epopeyas de jazz latino, estaba de gira por Italia.
Tocó algunas melodías originales para Bertolucci y el director seleccionó el ahora legendario tema en el acto. Grabar la banda sonora implicó llevar un piano a un apartamento en un quinto piso en Roma, pero valió la pena. Sumergido en un océano de tristeza casi delirante, “Last Tango in Paris” es posiblemente la composición más hermosa de Barbieri.
